Images en cours, l’esprit culture

La Folle histoire d'amour de Simon Eskenazy

Eric — Tue, 17 Nov 2009 23:42:00 +0000

Film français réalisé par Jean-Jacques Zilbermann avec Antoine de Caunes, Mehdi Dehbi, Elsa Zylberstein, Judith Magre, Catherine Hiegel (film français, sortie le 2 décembre 2009, produit en 2009, durée 1h30)

L'histoire : «Dix ans après L'Homme est une femme comme les autres, Simon Eskenazy est devenu un grand interprète de musique traditionnelle juive.

Il voit successivement débarquer sa mère envahissante, son ex-femme, son fils de 10 ans qu'il n'a jamais vu et Naïm, un jeune travesti musulman qui va changer sa vie........».

Avant-première du film de Jean-Jacques Zilbermann, ce soir 17 novembre, à l’UGC Ciné Cité de Lille, en présence du réalisateur et d’Antoine de Caunes et de Mehdi Dehbi.
Autant l’avouer tout de suite, je n’avais rien lu avant de voir le film, pas une critique, pas une interview. J’ai toujours une certaine appréhension devant un film qui traite en même temps de l’homosexualité, du judaïsme, des rapports père-fils, des relations juifs-arabes … Crainte d’assister soit à un film militant, soit à un film réducteur, trop intimiste, voir caricatural. Dans le cas de Jean-Jacques Zilbermann le risque « caricatural » était exclu d’avance, restaient les deux écueils indiqués quelques mots plus haut.

Et bien non, ce film m’a plu dès les premières séquences, l’approche plurielle des personnages, leur complexité, la qualité des interprétations, les thèmes abordés. Jean-Jacques Zilbermann, poursuit son récit autobiographique, 10 ans après « L’Homme est une femme comme les autres » en 1998. Nous suivons, pas à pas, derrière une caméra attentive aux moindres détails, s’attardant sur les regards, les attitudes, respectueuse de ses personnages, l’histoire d’une rencontre, celle d’un travesti arabe, Naïm/Angela, superbement interprété par Mehdi Dehbi et de Simon, Antoine de Caunes très juste, tous les deux parfaits dans des rôles difficiles.

Mehdi Dehbi

Antoine de Caunes

Jean-Jacques Zilbermann

Le personnage clé est Naïm/Angela, qui par sa double personnalité, sera celui/celle qui parviendra à révéler chacun à soi-même et aux autres, qui parviendra à dénouer les fils du mensonge et des faux-semblants, des préjugés, pour laisser s’exprimer l’amour d’un homme pour un autre homme, les regrets d’une mère que le syndrome des camps de concentration à rendu fragile, égoïste et que l’homosexualité de son fils les avait un temps séparé, qui amènera un fils à retrouver sa mère, un père a retrouver son fils. Le jeu entre Mehdi Dehbi et Judith Magre, elle aussi excellente, est particulièrement bien interprété. La scène entre Antoine de Caunes et Mehdi Dehbi dans la suite d’un grand hôtel parisien, où chacun cherche à avouer à l’autre son amour de manière maladroite, tout en trahissant des doutes ou des déchirures liées aux regards des autres est très bien interprétée.

Pour reprendre une citation d’Orson Welles, « Ce qui est merveilleux au cinéma, ce qui le rend tellement supérieur au théâtre, c'est qu'il possède beaucoup d'éléments qui peuvent nous vaincre mais aussi nous enrichir, nous offrir une vie qui ne vient de nulle part » : C’est le cas du film de Jean-Jacques Zilbermann. Comme dans « Away We Go » de Sam Mendes, nous nous trouvons en face d’un film à la fois drôle, plein d’humour, tendre, juste et grave, au plus proche de ses personnages. Un très bon moment de cinéma, dont nous avons eu le plaisir de partager nos impressions avec les membres de l’équipe.
Alors n’hésitez pas le 2 décembre et garder une place pour ce film excellent, entre deux grosses productions américaines de fin d’année.

La Folle histoire d'amour de Simon Eskenazy sur Comme Au Cinema

L'Imaginarium du Docteur Parnassus

Eric — Sun, 15 Nov 2009 05:13:00 +0000

Film américain réalisé par Terry Gilliam avec Heath Ledger, Johnny Depp, Jude Law, Colin Farrell, Christopher Plummer, Lily Cole, Verne Troyer, Andrew Garfield, Tom Waits (film américain, sortie le 11 novembre 2009, produit en 2007, durée 2h02)

L'histoire : «Avec sa troupe de théâtre ambulant, " l'Imaginarium ", le Docteur Parnassus offre au public l'opportunité unique d'entrer dans leur univers d'imaginations et de merveilles en passant à travers un miroir magique. Mais le Dr Parnassus cache un terrible secret. Mille ans plus tôt, ne résistant pas à son penchant pour le jeu, il parie avec le diable, Mr Nick, et gagne l'immortalité.

Plus tard, rencontrant enfin l'amour, le Docteur Parnassus traite de nouveau avec le diable et échange son immortalité contre la jeunesse. A une condition : le jour où sa fille aura seize ans, elle deviendra la propriété de Mr Nick. Maintenant, il est l'heure de payer le prix... Pour sauver sa fille, il se lance dans une course contre le temps, entraînant avec lui une ribambelle de personnages extraordinaires, avec la ferme intention de réparer ses erreurs du passé une bonne fois pour toutes...».

Terry Gilliam n’a rien perdu de sa force et son imaginarium se situe (heureusement) loin du conventionnel « Les Frères Grimm » et plus proche de « L’Armée des 12 singes », des « Aventures du baron de Münchausen », ou de « Brazil ». Terry Gilliam est de retour, beaucoup moins sombre (quoique), toujours aussi imaginatif.

Terry Gilliam, monsieur « Loi de Murphy » du cinéma (abandon du tournage de Don Quichotte il y a dix ans, décès de l’acteur Heath Ledger avant la fin du tournage du présent film), nous livre un conte nous transportant d’un Londres sordide, celui du XXIème siècle, constitué de terrains vagues, de parkings déserts et d’immeubles gris et froids, vers des mondes merveilleux en franchissant le miroir magique du Docteur Parnassus, où porté par les transes de ce dernier, chacun voit se concrétiser autour de lui ses propres rêves et fantasmes.

L’histoire peu paraître assez simple, la lutte entre le bien et le mal, l’un ne pouvant se passer de l’autre, lutte entre un Dr Parnassus (Christophe Plummer) parieur invétéré, qui après avoir parier son âme avec le diable (Tom Waits) pour un peu d'immortalité, se voit mis en demeure de lui céder sa fille unique. Mais il y a plus : pour Terry Gilliam, comme dans « Brazil » ou les « Aventures du baron de Münchausen », le monde n’est supportable et ne peut exister sans histoires à raconter, sans légendes et contes, sans récits épiques, sans place au rêve. C’est ce que découvrira, à ses dépens, l’escroc Tony (Heath Ledger) dans ses multiples transformations incarnées par Johnny Depp, Jude Law et Colin Farrel. A noter au passage la remarquable manière dont Terry Gilliam a su modifier son scénario suite au décès de l’acteur Heath Ledger. Cette transformation en trois personnages donne une ampleur inattendue au film.

Autre thème cher à Terry Gilliam, le passage de l’enfance au monde des adultes, un monde où l’imaginaire n’aurait plus sa place. Etonnante Lily Cole, où son visage de poupée de porcelaine incarne parfaitement les déchirements d’une adolescence où les adultes vous somment de renoncer à jamais à l’imaginaire, considéré comme enfantin, un monde où le choix se résume entre devenir une créature de M. Nick (Tom Waits) ou rester éternellement la fille du Dr Parnassus. Si l’on peut regretter quelques longueurs dans la première partie du film, ce film à l'accent d’œuvre testamentaire reste un excellent Gilliam et un film somptueux. Film autobiographique et introspectif où Gilliam se retourne sur sa vie de saltimbanque du 7ème Art (clins d’œil aux décors du « Baron de Münchausen » notamment), sur sa vieillesse (on ne peut s’empêcher d’associer le personnage du Dr Parnassus à Terry Gilliam) et plus généralement sur la place des saltimbanques dans notre monde.

bande annonce par filmtrailer.com

Away We Go

Eric — Sat, 14 Nov 2009 19:27:00 +0000

Film américain-britannique réalisé par Sam Mendes avec John Krasinski, Maya Rudolph (film américain et britannique, sortie le 11 novembre 2009, produit en 2009, durée 1h38)

L'histoire : «Lorsque Burt et Verona apprennent qu'ils vont devenir parents, c'est la panique. Ils détestent la ville de province où ils habitent, et maintenant que les parents de Burt déménagent, plus rien ne les y retient. Ils décident alors de partir à la recherche de l'endroit parfait où fonder leur famille. Sur leur chemin, ils rendent visite à leur famille et à de vieux amis. Certains leur paraissent fous à lier, d'autres leur donnent envie de suivre leur modèle...

Mais finalement, tous vont aider à leur manière Burt et Verona à réaliser qu'ils n'ont peut être besoin que l'un de l'autre pour fonder leur foyer.....».

Sam Mendes nous livre un film d’un genre inhabituel si l’on pense à ses précédents et excellents films comme « Les Noces rebelles » ou « Jarhead - la fin de l'innocence » ou encore « Les Sentiers de la perdition », un film plus léger, sur la recherche du foyer idéal qu’un couple tente de trouver pour leur futur et premier enfant. Le problème de ce couple n’est pas l’amour, nous dit Mendes, ou plutôt le fait que les futurs parents sont amoureux comme au premier jour, ce qui ne cesse pas de les inquiéter en se comparant à leur entourage, et quel entourage !

Nos deux amoureux, un peu inquiets devant la future venue au monde de leur enfant, décide de renouer avec leur famille, leurs amis. Et au fil des rencontres, Sam Mendes dresse un portrait plein d’humour mais subtil des différents formes de couples avec enfant que l’espèce humaine homo-americanus peu produire.

Ils découvriront les parents du mari en parfait égoïstes, des amis où la famille entière est en rupture, une sœur à la recherche du mari et du géniteur idéal, une ancienne copine de fac, bobo intello-bourgeois, contre l’utilisation des poussettes et d’une condescendance et d’un racisme pour ce couple qu’elle juge si conventionnel, des amis du Canada tentant de surmonter le drame de ne pouvoir avoir d’enfants et que les quatre enfants adoptés ne compensent pas.

Et après nous avoir montré cette galerie aussi variée que bien réelle de parents englués dans leurs problèmes, Sam Mendes trouve pour ses amoureux, le foyer idéal, la maison d’enfance de la future maman, retour au source, lien entre la mère, disparue, et la fille, entre l’histoire familiale et une histoire à construire, face à l’océan. Un très beau récit, joué avec bonheur par tous les acteurs et actrices et trois étoiles largement méritées.

L'Enfer d'Henri-Georges Clouzot

Eric — Sat, 14 Nov 2009 17:53:00 +0000

Documentaire français réalisé par Serge Bromberg et Ruxandra Medrea avec Henri-Georges Clouzot, Romy Schneider, Serge Reggiani, Catherine Allegret, Bérénice Bejo, Jacques Gamblin (film français, sortie le 11 novembre 2009, produit en 2009, durée 1h34)

L'histoire : «En 1964, Henri-Georges Clouzot choisit Romy Schneider, 26 ans, et Serge Reggiani, 42 ans, pour être les vedettes de L'Enfer. Un projet énigmatique et insolite, un budget illimité, un film qui devait être un "événement" cinématographique à sa sortie. Mais après 3 semaines de tournage, le drame. Le projet est interrompu, et les images que l'on disait "incroyables" ne seront jamais dévoilées.

Ces images, oubliées depuis un demi-siècle, ont été retrouvées et elles sont plus époustouflantes que la légende l'avait prédit. Elles racontent un film unique, la folie et la jalousie filmées en caméra subjective, l'histoire d'un tournage maudit et celle d'Henri-Georges Clouzot qui avait laissé libre cours à son génie de cinéaste. Jamais Romy n'a été aussi belle et hypnotique. Jamais un auteur n'aura été aussi proche et fusionnel avec le héros qu'il a inventé. Serge Bromberg et Ruxandra Medrea réussissent ici une "recomposition" de l'oeuvre disparue, créant un nouveau film qui raconte l'histoire de ce naufrage magnifique et qui permet au projet d'exister enfin.....».

Serge Bromberg, en passionné du 7ème Art nous replonge dans ce qui fut l’une des plus formidables aventures du cinéma des années 60. Etait-ce le titre du film qu’avait choisi Henri-Georges Clouzot, mais le tournage se transforma très rapidement en véritable enfer pour l’ensemble des équipes et des acteurs.

Le documentaire de Serge Bromberg mélange très habilement les témoignages de Catherine Allegret, de Gilbert Amy ou de Thi Lan Nguyen avec l’interprétation de bribes de texte par les acteurs Jacques Gamblin et Bérénice Bejo et les rushes du tournage parvenus jusqu’à nous qui couvrent les longs mois d’essais et le début du tournage, notamment les étonnantes scènes en couleur de recherches cinématographiques pour traduire la jalousie obsessionnelle du personnage interprété par Serge Reggiani.

Les recherches visuelles et sonores menées par Henri-Georges Clouzot et son équipe, recherches rendues possibles grâce aux producteurs de la Warner qui lui avait laissé le champ libre grâce à un budget illimité, étaient dans l’esprit des découvertes artistiques d’un Pierre Boulez ou d’Henri Pousseur autour de la musique contemporaine, de la musique concrète ou sérielle ou des cinéastes de la Nouvelle Vague et des propres recherches du réalisateur. On découvre petit à petit un homme exigeant jusqu’à l’extrême, colérique, angoissé. Ce film devait représenter dans l’évolution du cinéma une révolution pour Henri-Georges Clouzot. Filmé en noir et blanc, l’histoire « réelle » des personnages, et en couleur pour les hallucinations ou les rêves et cauchemars du personnage de Serge Reggiani, les journées épuisantes d’un tournage chaotique s’accumulent.

On redécouvre une Romy Schneider, seulement âgée de 26 ans, que son public voyait encore en Sissi impératrice, mais qui dans ces images muettes, les rushes n’avaient pas été sonorisées, aucune postsynchronisation, l’équipe en était au début du tournage, se révèle une actrice extraordinaire, sublime, la Romy Schneider de César et Rosalie, de Ludwig, de Max et les Ferrailleurs, des Choses de la vie etc.

Ce documentaire, parfaitement construit, est un petit bijou de leçon de cinéma, un moment passionnant de création cinématographique, menant jusqu’à l’obsession et l’épuisement son réalisateur, jusqu’à l’échec d’un projet de film qui n’était pas destiné à voir le jour mais répondait à la soif de ce grand réalisateur d’aller au-delà des formes narratrices utilisées jusque là.

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2012

Eric — Sat, 14 Nov 2009 08:49:00 +0000

Film américain réalisé par Roland Emmerich avec John Cusack, Chiwetel Ejiofor, Amanda Peet, Danny Glover, Oliver Platt, Woody Harrelson, Thandie Newton (film américain, sortie le 11 novembre 2009, produit en 2009, durée 2h40)

L'histoire : «Les Mayas, l'une des plus fascinantes civilisations que la Terre ait portées, nous ont transmis une prophétie : leur calendrier prend fin en 2012, et notre monde aussi. Depuis, les astrologues l'ont confirmé, les numérologues l'ont prédit, les géophysiciens trouvent cela dangereusement plausible, et même les experts scientifiques gouvernementaux finissent par arriver à cette terrifiante conclusion. La prophétie maya a été examinée, discutée, minutieusement analysée. En 2012, nous saurons tous si elle est vraie, mais quelques-uns auront été prévenus depuis longtemps...

Lorsque les plaques tectoniques se mettent à glisser, provoquant de multiples séismes et détruisant Los Angeles au passage, Jackson Curtis, romancier, et sa famille se jettent à corps perdu, comme des millions d'individus, dans un voyage désespéré. Tous ne pourront pas être sauvés........».

2012, énième film catastrophe américain et 4ème film du genre(Le Jour d’Après, Godzilla, Independence Day) du réalisateur Rolland Emmerich, 2012 nous annonce une énième fin du monde pour très bientôt. Au-delà du film du genre et des conventions qu’il impose (choix des personnages principaux, effets spéciaux, enchainement des actions), ces 2h40 d’images souvent très belles dans le genre « destruction » ou phénomène naturel (l’éruption explosive du parc Yellowston est impressionnante), nous livre en filigrane quelques idées intéressantes sur les Etats-Unis d’aujourd’hui et sur le propos de Roland Emmerich.

Tout d’abord qui mérite d’être sauvé ? On assiste une vision bien conservatrice, malgré les engagements en faveur du mariage homosexuel du réalisateur au côté de la sénatrice californienne Barbara Boxer, des êtres humains dignes de l’Arche de Noé : la famille américaine moyenne, un papa, une maman et deux enfants. Rolland Emmerich fait fi du divorce et sacrifie in extremis le beau-père au profit d’un retour à la « normale » en happy end familiale, famille devant être fondée exclusivement sur les liens du sang.

Quelle est la vision du monde depuis le Midwest américain ? Tout d’abord le déplacement du pôle Sud au beau milieu du Wisconsin, le Midwest comme centre du monde ! Ensuite une vision qui traduit l’évolution des relations internationales entre les Etats-Unis et les autres puissances. La Chine sauvera le monde (la tirade sur la qualité et le courage des travailleurs chinois vaut le détour !). Les Etats-Unis doivent se tourner résolument vers la puissance industrielle chinoise. Les Européens sont laissés à leur conservatisme (le responsable des musées nationaux français est assassiné dans une Citroën DS !) et aux faits divers (le même responsable meurt au même endroit que Lady Diana …). Roland Emmerich, un tantinet chauvin et toujours admiratif des peuples industrieux, confie avant tout le monde la présidence de l’Union Européenne à Angela Merkel qui prends les rênes de l’Europe jusque dans l’Arche finale. La caricature des Russes n’a rien à enviée à celle des Français : ils sont avides, égoïstes, préférant sauver quelques voitures de luxe plutôt que d’embarquer des passagers ou abandonnant sur un glacier tibétain notre famille américaine moyenne héroïque, mais bien mal lui en prendra, il sera précipité lui aussi dans le gouffre des Enfers !

Et les Etats-Unis dans tout cela : le Président américain, un Barack Obama vieilli, est héroïque comme l’étaient ses prédécesseurs des autres films catastrophes d’Emmerich comme dans Independence Day, mais meurt au pied de la Maison Blanche écrasé par un porte-avions dénommé john fitzgerald kennedy ! Roland Emmerich aurait-il quelques regrets après la défaite d’Hillary Clinton aux élections Primaires américaines ? Il est vrai qu’il en était l’un des fervents supporters. Les Etats-Unis bénéficient d’un traitement de choc particulièrement soigné : Eruption géante, séismes gigantesques plongeant la côte Ouest dans les affres des abimes de la terre, tsunami submergeant la côte Est et le pays tout entier plongé dans l’obscurité d’un nuage de cendres.

Les religions sauveront-elles le monde ? Roland Emmerich n’est pas tendre avec les religions. Les catholiques sont particulièrement gâtés avec une Chapelle Sixtine écrasant des milliers de fidèles sur la place Saint-Pierre de Rome et le Christ Rédempteur de Rio s’abattant sur d’autres fidèles. Le bouddhisme tibétain subit lui aussi une éradication, certes tardive, mais impressionnante (monstrueux tsunami submergeant le toit du monde). Seuls l’Islam échappe à la scène de destruction. Roland Emmerich avait pourtant tourné une scène où la Kaaba à la Mecque, construction cubique vide et symbole pour l’Islam qu’il ne peut y avoir d’objet d’adoration pour les croyants, mais il s’est autocensuré au dernier moment, redoutant une fatwa. Si le héros de son film est courageux, Roland Emmerich n’est pas téméraire ! Dans une interview donnée au Journal du Dimanche, il indique « J’en ai longuement discuté avec mes producteurs. Je voulais exprimer l’idée que lorsque la mort est proche, la religion devient pour certains un rempart. Il y avait une scène à La Mecque, où on voyait des musulmans prier Allah et se faire balayer par une vague. J’ai décidé de la couper. Je ne voulais pas provoquer une fatwa et vivre avec des gardes du corps jusqu’à la fin de mes jours. Franchement, ça ne valait pas le coup. Ce n’est que du cinéma! ».

Chaque sortie d’un film catastrophe made in US nous offre matière à réflexion sur l’état de l’opinion de la « middle class » américaine ou de l’Amérique profonde, c’est selon, et celui-ci, s’il nous apporte son lot de clichés, de caricatures, de « bêtise involontaire comme l’Afrique terre d’asile, de nouveau à coloniser : on croit rêver ! « (Les Inrocks), de discours larmoyant, nous propose une vue en coupe transversale de l’opinion américaine d’aujourd’hui passionnante. Roland Emmerich est un as du film catastrophe. Pour ces deux raisons, deux étoiles.

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A l'Origine

Eric — Wed, 11 Nov 2009 22:20:00 +0000

Film français réalisé par Xavier Giannoli avec François Cluzet, Emmanuelle Devos, Gérard Depardieu, Stéphanie Sokolinski, Vincent Rottiers, Patrick Descamps (film français, sortie le 11 novembre 2009, produit en 2008, durée 2h10)

L'histoire : «Philippe Miller est un escroc solitaire qui vit sur les routes. Un jour, il découvre par hasard un chantier d'autoroute abandonné, arrêté depuis des années par des écologistes qui voulaient sauver une colonie de scarabées.

L'arrêt des travaux avait été une catastrophe économique pour les habitants de cette région. Philippe y voit la chance de réaliser sa plus belle escroquerie. Mais son mensonge va lui échapper.....».

Xavier Giannoli, réalisateur, accompagné des acteurs Stéphanie Sokolinski et de Vincent Rottiers, a présenté dans un UGC flambant neuf de Villeneuve d’Ascq, dimanche 8 novembre, son dernier film « A l’Origine », film inspiré d’un fait divers survenu dans la Sarthe.

Xavier Giannoli a passé 2 ans à travailler sur le scénario. Il a rencontré Philippe Berre peu avant sa libération de prison, cet homme qui a embobiné toute la commune de Saint-Marceau en février 1997. Philippe Berre a débarqué un jour et a annoncé qu'il allait piloter le chantier de l'autoroute A28, près d'Alençon. Si l'escroquerie ne dure qu’une douzaine de jours dans la réalité avant que la commune ne découvre qu’il n’était qu’un escroc, le film lui situe l’histoire dans le Nord de la France où il a été tourné et sur une période plus longue de presque 3 mois. Cependant comme dans le film, Philippe Berre réussira a embaucher une trentaine de personnes, à commander des tonnes de matériaux, à louer les plus beaux engins … Touchée de plein fouet par le chômage, la commune ouvrira grands les bras à cet homme providentiel.

Mais Xavier Giannoli ne s’arrête pas à ce fait divers, il va beaucoup plus loin. Pour lui « l’escroquerie et les histoires d’escrocs, cela ne m’intéresse pas, je trouve particulièrement dégueulasse ce genre d’agissement (…) Il ne me viendrait pas à l’idée de faire un film sur l’affaire Maddock qui m’écœure au plus haut point (…) Pour moi cette histoire révélait autre chose, une formidable histoire humaniste, pleine d’espoir, fondée sur la solidarité (…) ».
Je partage ce point de vue : le film magnifiquement porté par l’ensemble des acteurs donne à raconter l’histoire d’un homme sans morale, vivant d’expédients et de petites escroqueries, jusqu’au jour où pris au piège de ses mensonges, il se retrouvera propulsé sauveur de la commune en remettant sur les rails un chantier d’autoroute abandonné depuis 1 an par un grand constructeur.

Pour Xavier Giannoli, si la fragilité économique et sociale des habitants de la commune est un terreau favorable à l’escroquerie, le ressort de ce projet insensé, construire un tronçon d’autoroute perdu au milieu de nulle part, c’est l’ouverture du personnage principal interprété par François Cluzet, excellent, aux autres, à l’humain ; c’est la découverte par cet être solitaire et égoïste de la force des solidarités humaines, du courage de familles devant l’adversité, et de l’espérance que portent les habitants d’une commune qui se reprends à vivre. Dépensant jusqu’aux derniers centimes qu’il possédait, cet homme, contre lequel aucun habitant n’a porté plainte dans la réalité, renaît parmi les hommes en redécouvrant l’indispensable reconnaissance des autres et de soi parmi les autres.

Si les habitants ont cru un moment à cet homme ce n’est pas par crédulité, fragilisés par la crise économique et le chômage, non c’est en ayant confiance. Xavier Giannoli le rappelle : « la confiance est l’un des ressorts essentiel de la vie sociale et des rapports humains, sans confiance rien n’est possible ».

J’ai retrouvé avec plaisir Patrick Descamps vu en ce moment dans la série « un village français » sur France 3. Mention spéciale à Stéphanie Sokolinski, particulièrement convaincante.

Un très beau film qui redonne « la pêche », on se prendrait presque à croire en l’Homme …

Philippe Berre a disparu depuis sa sortie de prison, personne n'a plus entendu parlé de lui et ne sait ce qu'il est devenu.

Vincent Rottiers

Stéphanie Sokolinski

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Le Concert

Eric — Sun, 08 Nov 2009 13:41:00 +0000

Film français réalisé par Radu Mihaileanu avec Mélanie Laurent, Aleksei Guskov, Dimitry Nazarov, Valeri Barinov, François Berléand, Miou-Miou, Lionel Abelanski, Alexander Komissarov (film français, sortie le 4 novembre 2009, produit en 2008, durée 2h00)

L'histoire : «A l'époque de Brejnev, Andrei Filipov était le plus grand chef d'orchestre d'Union soviétique et dirigeait le célèbre Orchestre du Bolchoï. Mais après avoir refusé de se séparer de ses musiciens juifs, dont son meilleur ami Sacha, il a été licencié en pleine gloire. Trente ans plus tard, il travaille toujours au Bolchoï mais... comme homme de ménage.

Un soir, alors qu'Andrei est resté très tard pour astiquer le bureau du maître des lieux, il tombe sur un fax adressé au directeur : il s'agit d'une invitation du Théâtre du Châtelet conviant l'orchestre du Bolchoï à venir jouer à Paris... Soudain, Andrei a une idée de folie : pourquoi ne pas réunir ses anciens copains musiciens, qui vivent aujourd'hui de petits boulots, et les emmener à Paris, en les faisant passer pour le Bolchoï ? L'occasion tant attendue de prendre enfin leur revanche ....».

Jubilatoire ! Vivacissimo ! Malgré quelques longueurs dans le premier tiers du film, juste avant l’envol vers la France, le film est une vraie comédie, mêlant des instants très drôles (le discours devant le Parti Communiste français) et plus graves (l’enfermement au goulag d’artistes juifs sous Brejnev).

Le souffle slave décoiffant de cette troupe de musiciens, âgés, relégués par le régime soviétique depuis 30 ans dans des petits boulots, dans la pauvreté, découvrant dans ce concert parisien l’opportunité grâce à la débrouille, aux combines et accessoirement à la musique (tout au moins jusqu’au début du concert), emporte ce film généreux souvent dans un délire drôle et rafraichissant.

Chacun des protagonistes porte en lui ses regrets et ses espoirs dans ce voyage à l’Ouest : Aleksei Guskov, excellent chef d’orchestre, cherche à expier sa passion dramatique pour le concerto pour violon et orchestre opus 35 de Tchaïkovski, magnifique et envoutant concerto ! et à retrouver celle dont il suit la carrière de violoniste depuis 10 ans ; Valeri Barinov, ancien manager de l’orchestre National du Bolchoï et responsable sous Brejnev de la mort au goulag de deux musiciens juifs et de la carrière brisée de ces 50 musiciens, cherche à Paris le pardon mais aussi à faire renaître l’idée du communisme auprès du dernier dinosaure politique communiste d’Europe, le PCF (quelle scène irrésistible quand il confie le drapeau de l’Union Soviétique de 1966 au vieux secrétaire local français !) ;Dimitry Nazarov, excellent lui aussi, porte toute la générosité musicale et humaine du groupe (ne conduit-il pas une ambulance ?!) et réussira là où tous pensaient échouer ; Mélanie Laurent, magnifique dans ce rôle de soliste, orpheline, qui joue pour tenter de sentir, l’espace de quelques secondes, le regard de ses parents disparus.

Tous se retrouveront grâce à la magie de la musique de Tchaïkovski, dans un final époustouflant, mêlant musique et image, dans cet étourdissant final Allegro vivacissimo du Concerto Op. 35 en D majeur.

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Le Ruban Blanc

Eric — Sat, 07 Nov 2009 15:55:00 +0000

Film français, italien, autrichien, allemand, réalisé par Michael Haneke avec Christian Friedel, Ernst Jacobi, Leonie Benesch, Ulrich Tukur, Ursina Lardi, Fion Mutert (film français, italien, autrichien, allemand, sortie le 21 octobre 2009, produit en 2009, durée 2h24)

L'histoire : «Un village protestant de l'Allemagne du Nord à la veille de la Première Guerre mondiale (1913/1914). L'histoire d'enfants et d'adolescents d'une chorale dirigée par l'instituteur du village et celle de leurs familles : le baron, le régisseur du domaine, le pasteur, le médecin, la sage-femme, les paysans...

D'étranges accidents surviennent et prennent peu à peu le caractère d'un rituel punitif. Qui se cache derrière tout cela ?....».

Palme d’Or du dernier festival de Cannes, Le Ruban Blanc de Michael Haneke est un pur chef-d’œuvre, une leçon de cinéma !
Epure des images en noir et blanc, direction d’acteur d’une rigueur époustouflante, Haneke exploite magnifiquement la palette cinématographique pour nous plonger à la racine du mal nazi et nous offrir une lecture fascinante de clarté et de justesse sur les origines du mal fasciste en Allemagne et en Europe.

L’intrigue dure et froide comme l’est la société de ce petit village de la Prusse d’avant 1914, nous plonge au sein d’une communauté régie par une rigueur morale absolue, portée par le pasteur protestant du village. Haneke dans une interview donnée au Nouvel Observateur du 15 octobre 2009 explique « qu’il est parti de questions : pourquoi le fascisme a-t-il été aussi différent du nazisme, né pourtant à peu près à la même époque ? Comment un criminel comme Eichmann a-t-il pu n avoir jamais aucune mauvaise conscience, être sûr au contraire qu'il avait juste bien fait son travail ? J'ai connu un peu Ulrike Meinhof, et je sais que Gudrun Ensslin, membre elle aussi de la bande à Baader, était la fille d'un pasteur : dans son cas, la rigueur morale a conduit à un fascisme de gauche. Je ne dis bien sûr pas que le protestantisme est une des causes du nazisme, mais en Allemagne la rigueur morale est très attachée à la notion d'efficacité dans le travail. ».

Dans cette société villageoise, modelée dans le respect du travail, des élites sociales, le médecin, l’instituteur, le régisseur du domaine, le baron, rien ne se dit. Les souffrances, les blessures, les ignominies, les vexations, mais aussi les joies, le bonheur, tout est tut au profit d’un monde radical, où l’éducation, fondée sur un respect aveugle et une violence de tout les instants, et surtout sur la croyance que l’idéologie, l’extrême rigueur, l’intransigeance, permettront de sortir de la misère et d’atteindre un monde meilleur, mène vers l’abomination qui marquera à jamais le monde dans lequel nous vivons.

La recherche sans limite d’une pureté que l’enfance, ou « la race », porterait en elle par une population prête à toutes les superstitions, à toutes les bassesses, au mensonge, mène ces villageois, comme tout un peuple à être convaincu qu’au nom de la défense de cette « pureté », toutes les violences sont permises. Comme dans ce long plan sur la porte derrière laquelle les enfants du pasteur reçoivent les coups de verges dont on ne sait qui ils font davantage souffrir, celui qui les donne ou ceux qui les reçoivent, la barbarie se joue à l’abris des regards, dans les chambres, les salons, au cabinet du docteur, derrière les volets clos, suscitant un peu plus encore la suspicion, la médisance, les accusations aveugles contre ce qui représente la diversité, la différence, la liberté (l’amour de l’instituteur pour la jeune nurse, l’infirmité du jeune garçon, la révolte du jeune paysan contre les responsables de l’accident dont sa mère a été victime …).

Comme pour l’instituteur, le risque majeur est l’oubli, les souvenirs qui s’estompent, le doute d’avoir réellement vu et vécu ces moments, la crainte que le temps en altérant les souvenirs ne recouvre d’un manteau neigeux opaque et blanc « la bête immonde » et qu’au printemps suivant elle ne renaisse plus dangereuse encore, comme un cancer que l’on croyait vaincu mais que l’on porte toujours en soi, définitivement, et qu’il faudra combattre sans arrêt. Le virage sépia des vieilles photos en noir et blanc ne doit pas faire oublier l’instant où elles ont été prises ni la vie qui s’y joue définitivement.
Bravo monsieur Haneke pour cette leçon de cinéma et d’histoire !

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La Vida Loca

Eric — Sat, 07 Nov 2009 09:08:00 +0000

Documentaire Mexicain-Franco-Espagnol réalisé par Christian Poveda (Mexicain-Franco-Espagnol, sortie le 30 septembre 2009, produit en 2008, durée 1h30)

L'histoire : «On les appelle les Maras. Construits sur le modèle des gangs de Los Angeles, ces groupes de jeunes sèment la terreur dans toute l'Amérique Centrale. Plongée dans les banlieues de San Salvador dans le quotidien des membres d'une armée invisible. Nouveau fléau mondial qui détruit par la violence aveugle les principes démocratiques et condamne à mort une jeunesse privée de tout espoir d'avenir....».

Ce qui frappe tout au long de cet excellent documentaire, c'est l'enfermement général et systématique de chaque individu. A l'origine de cet enfermement, l'extrême pauvreté. L'enfermement, c'est celui de ces hommes âgés barricadés derrière les barreaux des fenêtres de leur maison, c’est celui du quartier, de ses gangs (de « Mara », bande) auxquels peuvent difficilement échapper les jeunes, c’est l’enfermement géographique qui interdit aux jeunes d’un quartier de franchir la « frontière » du quartier d’en-face sous peine de mort, c’est l’enfermement policier d’une répression aussi brutale qu’inutile, c’est l’enfermement juridique d’une juge dans un système légal en inadéquation avec les enjeux du drame social et politique qui se joue, et c’est souvent très jeune, pour ce qui semble être la majorité de la population, l’enfermement dans un cercueil métallique, tué par balles ou par la misère.

Si les solidarités s’exercent entre voisins, entre femmes, au sein des gangs, des quartiers, le chaos social qui règne, l’absence des politiques, la corruption, l’absence d’éducation rendent ces solidarités vaines. Pour exemple la tentative de monter une boulangerie au cœur du quartier. A l’initiative d’une ONG, mais pilotée par La Mara du quartier, la boulangerie, l’espace de quelques coups de feu, après avoir redonné un semblant de vie sociale aux habitants, sombrera dans les querelles internes, la répression policière.

Les drames accumulés qui se répètent inlassablement devant nos yeux, ces destins éphémères de ces jeunes adultes rythmés par les coups de feu, les pleurs de douleur et les enterrements, s’ils suscitent l’empathie, nous laissent voir le statut de victimes de cette jeunesse, sans avenir, livrée à la mort comme sacrifice ultime de ces sociétés d’Amérique latine, façonnées par la violence sous la bienveillance de l’Oncle Sam.

En sortant de ce documentaire coup de poing, admirablement filmé la caméra à l’épaule par Christian Poveda, deux certitudes : le courage exceptionnel de l’auteur, courage qu’il a payé de sa vie, et le désespoir dans une humanité incapable de se sauver et de (re)trouver le sens de son humanité dans la communauté, dans le monde, enfermée dans sa propre logique autodestructrice, à l'image de son enfermement dans les quartiers des villes du monde entier.

Sin Nombre

Eric — Sat, 07 Nov 2009 07:10:00 +0000

Film Américano-Mexicain réalisé par Cary Fukunaga avec Edga Flores, Paulina Gaitan, Kristian Ferrer, Tenoch Huerta, Gerardo Taracena (film américano-mexicain, sortie le 21 octobre 2009, produit en 2009, durée 1h36)

L'histoire : «Au Honduras, la jeune Sayra retrouve son père après une longue séparation. Elle va enfin réaliser son rêve, émigrer avec lui et son oncle aux Etats-Unis. Au Mexique, Casper est membre de la " Mara ", l'un des terribles gangs d'Amérique Centrale. Pour venger la mort de sa fiancée, il tue un chef de bande et prend la fuite.

Sur le toit du train qui file vers le Nord, entourés de centaines de candidats à l'émigration, Sayra et Casper se rencontrent. Il fuit son passé criminel, elle espère un avenir meilleur: parviendront-ils à échapper ensemble à leur destin et à franchir la frontière ?....».

Un film poignant, un récit intense, une tragédie classique, une fiction construite à partir d'un documentaire rigoureux, une rare force pour un premier film. D'une mère suédoise et d'un père japonais, américain de naissance, Cary Joji Fukunaga réalise son premier film en Amérique centrale et quel film ! A partir de témoignages de victimes ou d'anciens membres des gangs qui sévissent en Amérique centrale qu'il a recueilli, Cary Joji Fukunaga a construit un récit rigoureux autour de deux destins croisés, celui de Sayra, jeune fille qui retrouve son père après une longue séparation et qui espère trouver enfin un avenir dans une vie meilleure en émigrant avec lui aux Etats-Unis, et celui de Casper, membre d'un gang aux mœurs hyper violentes, La Mara, qui après avoir enrôlé un jeune gamin des bidonvilles, devra fuir ce gang après en avoir tué son chef.

Comme il le résume très bien en trois mots "étrange", "fiction" et "vérité", (voir son interview Toutlecine.com), Cary Joji Fukunaga a construit son film autour de cette réalité tragique que représente cette fuite vers les Etats-Unis de milliers d'immigrants d'Amérique latine traversant l’Amérique centrale réfugiés sur le toit d’un train, au milieu d’un univers d’une rare violence, celle des gangs et de la misère. Son film entrecroise plusieurs récits d’une manière très juste et très convaincante. L’absence de la famille, symbolisée par ce père qui réapparait après des années et ces enfants livrés aux gangs, à la fois organisation criminelle et clan familiale. La tragédie amoureuse des deux adolescents, initiation à l’amour qui conduit immédiatement au drame dans un monde chaotique. La violence des gangs mexicains, héritage social d’une misère endémique touchant plus de la moitié de la population, héritage politique des gangs de Los Angeles et de la politique américaine en Amérique centrale.

Comme le souligne l’’écrivain Carols Fuentes dans son interview au quotidien Le Monde le 29 novembre 2008, « des problèmes sociaux très graves sont apparus dans le Chiapas, parmi les populations les plus pauvres. Il s’agit de l’essor sans précédent de la violence des gangs, du développement rapide de la Mara Salvatucha (de « mara », bande) à l’est du Chiapas, dans la région de Tuxla Guttierez. Il s’agit de gangs très violents, impliqués dans le trafic de drogues, les enlèvements, la prostitution. C’est un cadeau que nous a fait Ronald Reagan, les suites de sa politique de répression brutale au Salvador. Les « maras », les gangs sont constitués par les enfants perdus de la guérilla du Salvador et de toutes les guerres intestines de l’Amérique centrale. Beaucoup d’entre eux, chassés de leur pays, habitués à la violence, sont venus au Mexique, d’autres sont partis pour Los Angeles. Partout, ils ont formé des gangs très violents, très organisés. Ils doivent passer par des initiations très brutales, tuer pour faire leur preuve. Souvent, ils s’associent ou s’affrontent avec les gangs associés aux narcotrafiquants mexicains. »

Ce qui est particulièrement prégnant dans le film c’est l’immédiateté dans laquelle vivent les personnages du film. Tout est éphémère, la vie se déroule au jour le jour. La mort est omni présente, dans les meurtres commis quotidiennement, dans les risques générés par la pauvreté et même dans l’humour.

Sin Nombre à voir absolument et à compléter par le superbe documentaire de Christian Poveda, "La Vida Loca".

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Micmacs à tire-larigot

Eric — Sat, 31 Oct 2009 09:21:00 +0000

Film français réalisé par Jean-Pierre Jeunet avec Dany Boon, André Dussollier, Nicolas Marié, Jean-Pierre Marielle, Julie Ferrier, Omar Sy, Dominique Pinon, Yolande Moreau, Michel Cremades, Marie-Julie Baup (film français, sortie le 28 octobre 2009, produit en 2008, durée 1h44)

L'histoire : «Une mine qui explose au coeur du désert marocain et, des années plus tard, une balle perdue qui vient se loger dans son cerveau... Bazil n'a pas beaucoup de chance avec les armes. La première l'a rendu orphelin, la deuxième peut le faire mourir subitement à tout instant.

A sa sortie de l'hôpital, Bazil se retrouve à la rue. Par chance, ce doux rêveur, à l'inspiration débordante, est recueilli par une bande de truculents chiffonniers aux aspirations et aux talents aussi divers qu'inattendus, vivant dans une véritable caverne d'Ali-Baba : Remington, Calculette, Fracasse, Placard, la Môme Caoutchouc, Petit Pierre et Tambouille.

Un jour, en passant devant deux bâtiments imposants, Bazil reconnaît le sigle des deux fabricants d'armes qui ont causé ses malheurs. Aidé par sa bande d'hurluberlus, il décide de se venger. Seuls contre tous, petits malins contre grands industriels cyniques, nos chiffonniers rejouent, avec une imagination et une fantaisie dignes de Bibi Fricotin et de Buster Keaton, le combat de David et Goliath......».

Le dernier Jeunet, présenté en avant-première à l’UGC Ciné cité de Lille le 02 octobre dernier, est bien un Jeunet, peut-être même trop bien. Décors, lumière et couleurs, photographie, Jeunet nous invite à nouveau dans son univers onirique, un tantinet désuet : couleurs sépias, univers créatif et poétique élaboré à partir d’accessoires bricolés en tout genre.

Les acteurs, pour beaucoup acteurs fétiches de Jeunet, sont rentrés dans cet univers avec bonheur, sans se faire priés. Reste le sujet, une critique sur le ton d’une comédie surréaliste des marchands d’armes, contre lesquels notre bande de Pieds Nickelés inventera un fric-frac rocambolesque. La critique sociale, la psychologie des personnages, les ressorts des deux vendeurs d’armes ne sont pas approfondis.

Aussi malgré le grand talent des acteurs et actrices, la magie de Jeunet, si elle reste un objet sympathique et touchant, un jouet d’une enfance lointaine que l’on prend plaisir à regarder avec nostalgie quelques instants, les larmes (de rires quelquefois) aux yeux, sa magie ne nous surprend plus, ne nous étonne plus. Au contraire, nous avons l’impression que tous, acteurs et spectateurs, nous nous efforçons d’adhérer encore une fois à cette poésie cinématographique, entre Méliès et Houdini, par peur de détruire par notre dédain ou nos regrets cet objet qui nous a ébloui par le passé et qui continue de nous faire rêver.

Comme l’écrit norman06 dans sa critique, Dany Boon n’est pas Johnny Depp et Jeunet Tim Burton. Alors Jeunet en panne d’inspiration ? Alors ne boudons pas notre plaisir, non ! Mais à mon sens un film réalisé trop vite, en remplacement d’un projet plus original consacrée à l’histoire d’un enfant et d’un tigre (voir son interview dans Allociné).

Les photos de l'Avant-Première :

Jean-Pierre Jeunet

Michel Cremades

Julie Ferrier

Dany Boon et Jean-Pierre Marielle

Jean-Pierre Marielle, Omar Sy et Michel Cremades

Omar Sy

Jean-Pierre Jeunet et Julie Ferrier

Jean-Pierre Mariel et Omar Sy

Dany Boon et Jean-Pierre Marielle

Michel Cremades et Jean-Pierre Marielle

Jean-Pierre Jeunet et Julie Ferrier

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Clones

Eric — Wed, 28 Oct 2009 10:54:00 +0000

Film américain réalisé par Jonathan Mostow avec Bruce Willis, Radha Mitchell, Rosamund Pike, James Cromwell (film américain, sortie le 28 octobre 2009, produit en 2009, durée 1h25)

L'histoire : «Deux agents du FBI enquêtent sur le meurtre mystérieux d'un étudiant, qui semble lié à l'homme qui a contribué à mettre au point une invention qui s'est imposée dans toute la société : les gens peuvent désormais acheter des versions robotisées d'eux-mêmes, des doubles sans défaut qui, commandés à distance, effectuent leurs tâches à leur place et leur permettent de vivre par procuration sans quitter le confort et la sécurité de leur domicile.

Cette révolution technologique soulève beaucoup de questions, dont la première va vite devenir préoccupante : dans un monde d'apparences qui est réel, à qui peut-on faire confiance ?....».

Clones est un film intéressant. Non pas que Bruce Willis y interprète autre chose que du Bruce Willis, ou que l’on n’y retrouve pas les poncifs des films de genre américain. Non, ce film loin d’être une simple superproduction à la Disney, promet dès les premières images de cet univers robotisé et kitch un scénario original sur la déshumanisation via les réseaux informatiques et la communication par procuration.

Dommage qu’après quelques minutes, on constate que Jonathan Mostow n’était pas à la hauteur du scénario et qu’à partir d’idées ambitieuses dans le propos et leurs ramifications sociologique et philosophique, il aboutisse à une série B classique, très années 90.

Reste les intentions de départ et quelques rares moments où pointe le vrai sens du scénario : Facebook et autres réseaux sociaux, messagerie instantanée, la communication à distance nous mèneraient’ ils vers cet avenir, déshumanisé, virtualisé et déconnecté, où chacun joue un « ertzatz » de sa propre existence via « avatar » et autres « pseudos » ?

La manipulation du réel et de l’opinion via les outils informatiques et par la consommation de l’information instantanée n’aboutira t’elle pas à devoir choisir entre la régression technologique ou l’automatisation de l’humanité ?

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Lucky Luke

Eric — Wed, 21 Oct 2009 17:24:00 +0100

Film français réalisé par James Huth avec Jean Dujardin, Michaël Youn, Sylvie Testud, Daniel Prévost, Alexandra Lamy, Melvil Poupaud (film français, sortie le 21 octobre 2009, produit en 2009, durée 1h44)

L'histoire : «Au cours de sa mission à Daisy Town, la ville qui l'a vu grandir, Lucky Luke, "l'homme qui tire plus vite que son ombre", va croiser Billy The Kid, Calamity Jane, Pat Poker, Jesse James et Belle.......».

Pas de scénario, rien de l'humour de la BD originale, des acteurs totalement paumés, une réalisation poussive, sans originalité ni créativité, bref à éviter.

Mais qu'est-ce qui a poussé Jean Dujardin à tourner avec James Huth dans ce navet ? Ne savait-il pas depuis Brice de Nice que monsieur Huth ne connaissait rien du cinéma et encore moins de la comédie ?!

Le Dernier pour la route, un film courageux et honnête

Eric — Sat, 26 Sep 2009 15:11:00 +0100

Film français réalisé par Philippe Godeau avec François Cluzet, Mélanie Thierry, Michel Vuillermoz, Eric Naggar, Lionel Astier, Raphaeline Goupilleau, Eva Mazauric, Bernard Campan, Marilyne Canto (France, sortie le 23 septembre, produit en 2009, durée 1h47)

L'histoire : «Hervé, patron d'une agence de presse, décide d'en finir avec l'alcool. Loin de tout et grâce aux autres, il parvient à combattre sa dépendance, en repartant vers une nouvelle vie... ...».

Le 14 septembre dernier, Philippe Godeau, réalisateur, en compagnie de Mélanie Thierry, actrice, et d’Hervé Chabalier, auteur d’un ouvrage autobiographique homonyme, actuel directeur de l'agence Capa et ancien grand reporter au Nouvel Observateur, sont venus présenter « Le dernier pour la route » à l’UGC Ciné Cité de lille.

Ce qui est ressorti en fin de séance, c’est un film à la fois courageux, comme le fut le combat d’Hervé Chabalier, mais également un film convenu, aussi rigide que le protocole suivi par le personnage principal, comme l’écrit Jacques Mandelbaum dans sa critique du Monde.

Si on ne peut nier l’indéniable qualité de la réalisation, l’engagement des acteurs et notamment le jeu très juste de Mélanie Thierry et de François Cluzet, le film est comme pris au piège de ces combats contre l’addiction à l’alcool que mène les protagonistes du film, une galerie de portraits superbement portés par des seconds rôles parfaits.

Mélanie Thierry, Philippe Godeau

Dans le huit-clos de ce centre de désintoxication, Philippe Godeau tourne vrai et juste, notamment sur le processus qui amène chaque individu à se dépouiller de tout pour mieux se reconstruire, mais il manque la flamme intérieure, le feu du désir de revivre, de renouer avec les siens. Les moments de détresse, de tragédie sont trop en retrait par rapport à la force du combat engagé par cet homme qui tente de renaitre à lui-même, de se battre sans relâche contre un ennemi qui restera toujours aux aguets, en lui.

Je soulignerai néanmoins une très belle scène, celle où le fils rends visite au personnage principal et reste sur ce constat implacable : « Tu aurais pu faire autrement, tu savais, tu buvais et tu n’a rien fait contre, tu recherche des excuses, dans la maladie, dans ton enfance … mais d’autres souffrent sans foutre leur vie en l’air et sans bousiller la vie de leurs proches ! »

Hervé Chabalier

Autre reproche que j’ai pu souligner lors d’une de mes questions à l’équipe : Si les alcooliques sont considérés comme des malades, avec pour chacun d’eux des causes spécifiques à cette maladie de l’addiction à l’alcool, rien, pas un mot sur le marché de l’alcool, son poids culturel et économique, le matraquage auprès des jeunes ?

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District 9, superbe SF !

Eric — Fri, 25 Sep 2009 14:49:00 +0100

Film français réalisé par Neill Blomkamp avec Sharlto Copley, David James (II), Jason Cope (film néo-zélandais, américain, sortie le 16 septembre, produit en 2009, durée 1h50)

L'histoire : «Il y a vingt-huit ans, des extraterrestres entrèrent en contact avec la Terre...Ces visiteurs d'au-delà des étoiles étaient des réfugiés et furent installés dans le District 9, en Afrique du Sud, pendant que les nations du monde se querellaient pour savoir quoi en faire...Depuis, la gestion de la situation a été transférée au MNU (Multi-National United), une société privée qui n'a pas grand-chose à faire du sort de ces créatures, mais qui fera d'énormes bénéfices si elle arrive à faire fonctionner leur extraordinaire armement. Jusqu'à présent, toutes les tentatives ont échoué : pour que les armes marchent, il faut de l'ADN extraterrestre.

La tension entre extraterrestres et humains atteint son maximum lorsque le MNU commence à évacuer les non-humains du District 9 vers un nouveau camp, en envoyant des agents de terrain s'occuper de leur transfert. L'un de ces agents, Wikus van der Merwe, contracte un virus extraterrestre qui se met à modifier son ADN. Wikus est à présent l'homme le plus recherché de la planète, celui qui vaut plus qu'une fortune : il est la clé qui permettra de percer le secret de la technologie alien.Repoussé, isolé, sans aide ni amis, il ne lui reste qu'un seul endroit où se cacher : le District 9.... ...».

Un film de SF qui n'en est pas, un film en forme de documentaire surprenant, des effets spéciaux géniaux mais discrets, un scénario original et un propos engagé, teinté d'un humour noir dévastateur, bref le meilleur film de SF depuis longtemps.

Ce film renoue avec les meilleurs films de SF des années 50 ou des années 70, où sous couvert de SF on dénonçait l’arme atomique, la guerre froide ou la course aux armements, les dictatures … Des extra-terrestres parqués dans un ghetto « township », et qui plus est des « cafards » (cela ne vous rappelle rien sur l’apartheid ?), des cafards sur deux jambes que les autorités manipulent avec des boîtes de pâté pour chat par le truchement de bandes armées ( !), un responsable d’une organisation gouvernementale complètement abruti mais qui se révélera héroïque une fois passé de l’autre coté de la barrière , bref à voir absolument !

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Victor

Eric — Tue, 22 Sep 2009 23:26:00 +0100

Film français réalisé par Thomas Gilou, avec Pierre Richard, Lambert Wilson, Clémentine Célarié, Antoine Duléry, Sara Forestier, Mohamed Hicham, Marie-France Mignal (France, sortie le 7 octobre 2009, produit en 2009, durée 1h35)

L'histoire : « Alice, jeune stagiaire dans un magazine people, se prend d'affection pour son voisin de palier, Victor, charmant vieillard érudit abandonné de tous et sur le point d'être expulsé de son logement. Elle va bientôt trouver une solution à son problème : organiser un concours au sein de son journal dont le gain sera l'adoption de Victor. A l'issue du casting, c'est la famille Saillard qui gagne le droit de l'accueillir. Mais l'arrivée du sémillant octogénaire, censée apporter joie et bonne humeur, tourne rapidement à l'aigre. Les failles de chacun éclatent au grand jour et bouleversent le cadre d'une famille qui semblait pourtant bien sous tout rapport...».

Thomas Gilou et Pierre Richard étaient les invités de France Bleue Nord et de l’UGC Ciné Cité de Lille le 22 septembre pour présenter la nouvelle comédie de Thomas Gilou, l’histoire d’un grand-père, un peu menteur, un peu filou et escroc, charmeur et charmant, amoureux de la vie et joueur, dont l’adoption par une famille sans histoire et sans relief, va provoquer une série de bouleversements qui amèneront chaque personnage à se redécouvrir et à envisager la vie d’une nouvelle manière.

Magnifiquement interprété par Pierre Richard, sorte de « Boudu sauvé des eaux », avec des airs de Michel Simon, le personnage de Victor ne ressemble en rien à l’image d’Epinal du grand-père présenté souvent au cinéma : loin de se résumer à un personnage monolithique, soit du gentil pépé, soit de l’infecte grand-père, Victor ne se sent pas vieux, ne porte pas son âge, sauf pour en jouer et abuser une famille sans âme, une presse people prête à toutes les bassesses pour augmenter le tirage et n’a qu’un désir, continuer à croquer la vie à pleine dent, au risque d’en mourir.

Pierre-Richard interprète avec toute l’ambigüité nécessaire ce personnage d’emmerdeur, de manipulateur, de séducteur et de gentil papy. Pierre Richard souhaitait interpréter ce premier rôle, retour à la comédie, sans pour autant renouer avec les rôles d’éternel étourdi manipulable qu’on lui connaissait par le passé. Comme il le dit, «j’ai apprécié ce rôle qui me donnait l’occasion de manipuler à mon tour ». Pierre Richard voulait interpréter un Victor « papy anar, pas gentil, caustique et déjanté ».

Si son One man show est au cœur de ses projets, Pierre Richard avouait avoir pris un réel plaisir à interpréter ce rôle de grand-père pas très net. Pour lui le cinéma est un peu comme une récréation de quelques-mois par an, comparé aux efforts chaque soir que représente son spectacle sur scène. Répondant à l’un des spectateurs sur un éventuel retour derrière la caméra, Pierre Richard a répondu qu’il avait définitivement tourné cette page, en raison notamment des efforts physiques importants, longs et soutenus qu’il fallait déployer pour tenir un film pendant 2 ans, performance que son âge ne lui permettait plus d’assumer. Et puis d’ajouter qu’il préférait se consacrer à de nouveaux rôles, dans l’espoir d’en tourner 2 à 3 par an afin d’avoir l’opportunité d’interpréter des personnages inhabituels, et peut-être enfin un vrai « rôle de salaud ».

Autour de lui le casting est impeccable, le trio Lambert Wilson, Clémentine Célarié et Antoine Duléry est excellent. En traitant le thème de la vieillesse comme un mélange de soif de vivre et de peur de la solitude, en proclamant qu’il n’y a pas de « vieux » mais des hommes avec les défauts et les qualités de toute une vie, en rapprochant leur vision différente de la comédie, Thomas Gilou et Pierre Richard, en mélangeant leur deux univers, ont su créer un film drôle, enlevé, caustique et attachant. A voir.

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"L'Armée du crime", avant-première à Lille

Eric — Wed, 16 Sep 2009 06:04:00 +0100

Film français réalisé par Robert Guédiguian, avec Simon Abkarian, Virginie Ledoyen, Robinson Stévenin, Grégoire Leprince-Ringuet, Lola Naymark, Jean-Pierre Darroussin, Ariane Ascaride (France, sortie le 16 septembre, produit en 2008, durée 2h19)

L'histoire : «Dans Paris occupé par les allemands, l'ouvrier poète Missak Manouchian prend la tête d'un groupe de très jeunes juifs, Hongrois, Polonais, Roumains, Espagnols, Italiens, Arméniens, déterminés à combattre pour libérer la France qu'ils aiment, celle des Droits de l'Homme.

Dans la clandestinité, au péril de leur vie, ils deviennent des héros. Les attentats de ces partisans étrangers vont harceler les nazis et les collaborateurs. Alors, la police française va se déchaîner, multiplier ses effectifs, utiliser filatures, dénonciations, chantages, tortures... Vingt-deux hommes et une femme seront condamnés à mort en février 1944. Dans une ultime opération de propagande, ils seront présentés comme une Armée du crime, leurs visages en médaillon sur un fond rouge placardés sur les murs de toutes les villes du pays. Ces immigrés, morts pour la France, entrent dans la légende ...».

Un film à la gloire de la vie, de la révolte et du courage ! Comme le dit à un moment Manouchian-Abkarian « On donne la mort mais nous sommes partisans de la vie. », ce film à la réalisation impeccable et où tous les acteurs jouent avec une rare justesse et beaucoup de sensibilité et d’intelligence, nous replonge dans l’histoire tragique mais courageuse des membres du groupe de résistance Manouchian, ces visages de « l’affiche rouge », placardée sur les murs de la France occupée par un Etat français collaborateur, celui de Vichy, présentés comme membre de « l’armée du crime », tous fusillés en 1944, et pour la plupart immigrés.

Si la reconstitution historique, en dehors de quelques raccourcis chronologiques, est minutieuse et rigoureuse, ce film pose des questions d’actualité, des questions dérangeantes : que doit être l’attitude d’un fonctionnaire de police face aux dérives d’un Etat raciste, xénophobe ? Les immigrés d’aujourd’hui s’investiraient-ils autant que leurs ainés pour la liberté et leur pays d’accueil ? La France a-t’elle conservé aux yeux des étrangers son image de pays des Droits de l’Homme et de terre d’accueil pour les réfugiés de toute nature ? La France d’aujourd’hui est-elle redevenue cette France des années 40, qui a part une minorité résistante, portée essentiellement par les étrangers, était composée d’une large majorité de Français frileux, attentistes, aveugles et sourds aux évènements qui se déroulaient sous leurs yeux et pour de trop nombreux d’entre eux, collaborateurs du fascisme, xénophobes et racistes ? Ce film a le grand mérite de nous poser des questions primordiales : face à l’injustice, à la barbarie, au racisme, à toutes les exclusions, que faisons-nous ? Quel est notre engagement ? Comme le disait Robert Guédiguian, lors des échanges avec le public, « que vaudrait notre existence, si elle n’était pas au service de la défense de la vie, de la dignité humaine et de la liberté ? ».

Présenté en avant première à l’UGC Ciné cité de Lille le 9 septembre dernier, en présence de Robert Guédiguian, de Simon Abkarian et de Virginie Ledoyen, ce film aborde enfin de manière claire et directe les vieux démons de l’histoire française, une histoire de 65 années de non-dits, d’oublis, mais à laquelle le quotidien nous rattache toujours : une France des Droits de l’Homme alibi pour ne pas voir les exclusions perpétuées sous nos yeux, l’affairisme de certains politiques, le révisionnisme de quelques-uns, l’arrogance de ceux qui se croient au-dessus des lois ou protégés par elle, serviteurs d’un autoritarisme d’une « république royaliste », la passivité et l’indifférence de beaucoup et l’engagement de quelques-uns, la morale bafouée chaque jour, la résistance comme devoir et raison de vivre.

« La figure de Manouchian est là pour servir le projet politique et éthique de Guédiguian : un homme capable de tuer tout en continuant à vivre et à aimer sa compagne Mélinée (Virginie Ledoyen). Sur l'autre rive, il y a les tristes figures des policiers français qui firent tomber le groupe. Jean-Pierre Darroussin (qui déjà jouait le militant du Front national dans Marius et Jeannette) incarne un fonctionnaire compétent qui succombe à la tentation que lui met sous le nez le commissaire David (Yann Tregouët), technocrate de la lutte anticommuniste. Ce sont eux les exécutants du martyre du groupe Manouchian, tout comme Vichy se mit à la disposition des occupants pour monter l'opération de propagande qui fit que l'affiche rouge dénonçant "l'armée du crime" fut placardée sur les murs de France. Tout dans le film, y compris les libertés prises avec la chronologie des événements, tend à exprimer l'essence de cet affrontement, à en dégager le sens. Les derniers films de Robert Guédiguian, et particulièrement Lady Jane (2008), mettaient en scène la désorientation, la colère face à la perte de ce même sens, qui fut celui de l'histoire. Alors que Ken Loach, qui montrait les mêmes interrogations dans It's a Free World (2007), s'est réfugié dans la comédie fantaisiste de Looking for Eric, son camarade Guédiguian a remonté le temps pour retrouver une vérité perdue et la rapporter à ses contemporains. » Thomas Sotine, Le Monde

Trois citations tirées des échanges avec le public pour résumer ce film intelligent, magnifiquement interprété, notamment par Virginie Ledoyen qui m’a agréablement surpris. :

Virginie Ledoyen : « un film sur la générosité, la solidarité, contre l'individualisme actuel"

Simon Abkarian : la résistance au fascisme, à l’antisémitisme et au racisme par « des hommes de toutes origines, étrangers à la France ou Français, tous avec la passion de la liberté, de l'humanité »

Robert Guédiguian : «un devoir de mémoire au regard du monde d'aujourd'hui »

A lire également :

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Robert Guédiguian : « Il y aura toujours des choses auxquelles il faudra résister », La Voix du Nord, 16 septembre 2009
Robert Guédiguian : « Un appel à la révolte comme mode de vie », L'Humanité, 9 septembre 2009

Ordinary People

Eric — Sun, 30 Aug 2009 22:52:00 +0100

Film Serbe réalisé par Vladimir Perisic, avec Relja Popovic, Boris Isakovic (Serbie, sortie le 26 août 2009, produit en 2009, durée 1h20)

L'histoire : «Tôt le matin. Un bus avec sept soldats roule vers une destination inconnue. Parmi les passagers se trouve Dzoni, un jeune homme de vingt ans. Il est nouveau dans cette brigade qu'il a du mal à intégrer. Le bus arrive devant une ferme abandonnée entourée d'un champ. Dzoni, inquiet par le mystère de leur mission, essaie de savoir ce qu'on attend d'eux. Pas de réponse. L'attente commence, dans un champ brûlé par le soleil.

Un bus s'approche, transportant des hommes blottis les uns contre les autres. Le commandant de l'unité explique à ses recrues que ces prisonniers sont les ennemis. Le groupe des sept soldats désœuvrés qui meublaient tant bien que mal l'angoisse de l'attente, pressentent qu'ils vont bientôt passer à l'action...».

Ordinary people où le récit « ordinaire » d’un massacre « ordinaire » réalisé par des gens ordinaires. Ce film étrange, aux longs plans séquence, nous plonge dans une interminable journée, brulée par le soleil, durant laquelle de jeunes soldats ou miliciens, sans un mot ou presque, vont massacrer méthodiquement, à l’arrivée de chaque convoi d’hommes ou d’adolescents présentés comme des terroristes, des dizaines de personnes, jusqu’à en être saoul, de l’alcool distribué et du « travail » réalisé.

Ce film, loin des films de genre sur la guerre dans les Balkans dans les années 90, trace sans musique, mais seulement sur le bruit de la respiration du paysage et du jeune soldat, Dzoni, ce cheminement lent vers l’horreur. Seul le regard du soldat, à la fin de cette journée, trahira son ébranlement devant l’horreur des actes réalisés et consentis.

Toute l’intelligence de ce film, malheureusement universel dans son propos, est de prendre les faits au niveau d’un individu, simple jeune homme, sans particularités, mais dont la participation à la guerre civile et à l’épuration ethnique, en font l’un des rouages essentiel de toute guerre quel quelle soit. Un film sur la barbarie et la banalité du mal, effroyable et inquiétant.

« Ordinary People » remporte le prix du meilleur film du festival de Sarajevo, parrainé par le Conseil de l'Europe

Eric — Sun, 30 Aug 2009 14:06:00 +0100

Strasbourg, 21.08.2009 – Le film serbe « Ordinary People» a obtenu jeudi 20 août le prix du meilleur film du 15e festival du film de Sarajevo, parrainé par le Conseil de l'Europe.

Vladimir Perišić, 33 ans, réalisateur du film primé a reçu un prix en forme de cœur – le « Cœur de Sarajevo » – ainsi qu'une somme de 25 000 euros versée par le Conseil de l’Europe.

L’histoire se déroule en une période et un lieu qui ne sont pas précisés : Dzoni, jeune appelé de 20 ans, est confronté à l’ordre d’exécuter des prisonniers…

Relja Popovic qui incarne Dzoni s’est vu attribuer le prix du meilleur acteur.

« Ordinary People » était en compétition avec neuf autres films de Bulgarie, de Croatie, de Grèce, de Hongrie, de Roumanie, de Serbie, de Slovénie et de Turquie, présentés dans la catégorie des longs métrages du plus grand festival de cinéma des Balkans. Ce film est une coproduction ayant reçu le soutien d'Eurimages, le Fonds du Conseil de l'Europe pour l'aide à la coproduction, à la distribution et à l'exploitation d'oeuvres cinématographiques européennes.

Le jury du festival était composé des actrices serbe et roumaine Mirjana Karanovic et Anamaria Marinca, du réalisateur hongrois Benedek Fliegauf et des directeurs des festivals de Cannes et de Berlin, Christian Jeune et Wieland Speck.

Au total, quelque 232 films, dont 71 documentaires, ont été présentés dans le cadre du festival. Si les films provenaient de 53 pays, l’accent était toutefois mis sur la production cinématographique d’Europe de l’Est et du Sud-Est.

Créé il y a quinze ans comme un symbole de résistance par la ville alors assiégée, le festival du film de Sarajevo est aujourd’hui une manifestation bien installée dans le paysage cinématographique et le plus grand festival de la région. Cette année, il a accueilli environ 1 500 invités, en majorité des personnalités du milieu cinématographique du monde entier, 700 journalistes et 100 000 visiteurs.

Le festival a également reçu des stars régionales et internationales, notamment Gillian Anderson, de « X-Files », et Mickey Rourke, nommé aux Oscars pour son rôle dans « The Wrestler », le film qui a marqué son retour et qui a été projeté pour la clôture du festival.

Le Conseil de l'Europe, qui est très actif en Europe du Sud-Est, considère naturellement le festival du film de Sarajevo comme un forum qui lui permet de faire connaître ses activités en tenant compte des objectifs communs : l'éducation par le cinéma, le soutien de la création artistique et de la liberté d'expression et la promotion des valeurs de la diversité culturelle et du respect mutuel.

Un prophète

Eric — Wed, 26 Aug 2009 14:00:00 +0100

Film français réalisé par Jacques Audiard, avec Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Gilles Cohen, Leïla Bekhti … (France, sortie le 26 août 2009, produit en 2009, durée 2h35)

L'histoire : « Condamné à six ans de prison, Malik El Djebena ne sait ni lire, ni écrire. A son arrivée en Centrale, seul au monde, il paraît plus jeune, plus fragile que les autres détenus. Il a 19 ans.
D'emblée, il tombe sous la coupe d'un groupe de prisonniers corses qui fait régner sa loi dans la prison. Le jeune homme apprend vite. Au fil des " missions ", il s'endurcit et gagne la confiance des Corses.
Mais, très vite, Malik utilise toute son intelligence pour développer discrètement son propre réseau.. »

Un chef d’œuvre ! Enfin un film français, un vrai, un qui a du corps, des tripes, une histoire à nous raconter, un univers à nous faire découvrir, des questions à nous poser, des images qui ont un sens … bref un chef d’œuvre !
L’interprétation magnifique de Tahar Rahim, toute en nuance, éblouissante dans sa transformation, méritait bien le prix d’interprétation de Cannes.

On peut applaudir à un film qui ose enfin réaliser un film sur les prisons en France, mais qu’on ne s’y trompe pas, même si le regard porté par le réalisateur, la reconstitution de l’enfer carcéral en Franc, la justesse des interprétations fait froid dans le dos, ce film est avant tout un vrai thriller, un film qui vous emporte comme une tempête dans un tourbillon de sensations violentes, d’adrénaline, de peur, d’angoisse et d’espoir.
A ne pas manquer ! Pour voir le monde définitivement différemment !